Presentarán Ayrton. Cuatro exposiciones por Armando Andrade Tudela, Nina Canell, FOS y Tania Pérez Córdova

Bajo la curaduría de Manuela Moscoso, la muestra presenta el trabajo de cuatro artistas contemporáneos internacionales
Se mostrarán piezas principalmente escultóricas, algunas realizadas ex profeso y otras presentadas por primera vez en México
Podrá disfrutarse en el Museo Tamayo a partir del sábado 1° de abril

El Museo Tamayo iniciará su programa expositivo de 2017 con la muestra Ayrton. Cuatro exposiciones por Armando Andrade Tudela, Nina Canell, FOS y Tania Pérez Córdova, que podrá disfrutarse a partir del 1° de abril. Con el objetivo de generar una lógica expositiva diferente, la muestra reúne obras creadas ex profeso, así como realizadas previamente por cuatro artistas cuyo trabajo explora la naturaleza de lo escultórico.

Ayrton es una exhibición que presenta cuatro exposiciones individuales en un solo evento. Como parte de la metodología, los artistas infiltraron su participación en el proceso de elaboración expositiva previo a la inauguración de la muestra. Este diálogo permitió intercambiar las investigaciones personales de cada uno, así como crear una experiencia colectiva para enriquecer y desafiar tanto la lógica como la experiencia expositiva.

La muestra toma su nombre del piloto de Fórmula 1 Ayrton Senna, quien murió en 1994 durante una competencia. La película Senna (2010), del director Asif Kapadia, que aborda el automovilismo desde la ingeniería humana, lo material y lo espiritual, fue uno de los primeros materiales compartidos que les permitió a los artistas y a la curadora Manuela Moscoso pensar en una serie de conceptos que se contraponen con la práctica escultórica y los métodos expositivos: mente-cuerpo-carro-velocidad-ingeniería-equipo-políticas-capital-materia.

Más que ser una referencia temática o un concepto que agrupa u ordena la obra de estos artistas, Ayrton funciona como un punto de partida y una zona de trabajo desde los cuales pensar la vida de determinados objetos: un casco, un carro, una escultura, una obra de arte o una exposición, sin que esta última tenga demasiada relevancia.

Ayrton quiere reflexionar sobre los diferentes procesos involucrados en el quehacer artístico, el resultado busca cuestionar las lógicas y métodos convencionales con los que se construye una muestra. Así, replantea las nociones y concepciones de lo que es o debe ser una exposición y un museo.

Los artistas participantes pertenecen a diferentes generaciones y se acercan a la escultura desde diferentes aristas temáticas, estéticas y conceptuales.

Armando Andrade Tudela (Lima, Perú, 1975) presentará obras que exploran los vínculos entre las formas y contextos históricos y sociales, como la ideología de izquierda que aconteció en Latinoamérica entre las décadas de los 60 y 70.

Siguiendo su interés por provocar situaciones entre individuos, materiales y momentos, Nina Canell (Växjö, Suecia, 1979) mostrará una serie de piezas que examinan cómo se efectúa la comunicación de un contenido de acuerdo a su medio de entrega.

Con un trabajo que parte del diseño social, FOS (Copenhague, Dinamarca, 1971) buscará alterar, física y psicológicamente el espacio de la exposición a partir de obras que deambulan entre la escultura y el dispositivo.

Por último, Tania Pérez Córdova (Ciudad de México, 1979) parte de los aspectos biográficos y narrativos que se involucran con el proceso artístico, para crear objetos escultóricos pensados como protagonistas.

La exposición Ayrton. Cuatro exposiciones por Armando Andrade Tudela, Nina Canell, FOS y Tania Pérez Córdova se inaugurará el sábado 1° de abril a las 13:00 en el Museo Tamayo.

Armando Andrade Tudela
A través del lenguaje escultórico, Andrade Tudela explora los contrastes de la modernidad latinoamericana, sus consecuencias y síntomas, no solo en lo político y social, sino también en lo estético, haciendo énfasis en cómo las formas modernas y la cultura local se cruzan entre sí. El artista peruano realiza investigaciones minuciosas que comprenden registros fotográficos, entrevistas, lecturas históricas y referencias sociales, con las que busca localizar las intersecciones entre la cultura popular, la política y el arte, para ver cómo una sociedad sudamericana asimila otras estructuras de pensamiento, producto del intercambio cultural e ideológico. Su obra ofrece una serie de testimonios, argumentos visuales, materiales y flujos de objetos, que reflejan los aspectos distorsionados e ilusorios de la idea del progreso, que, a su vez, está ligada también a la arquitectura y por supuesto, a los movimientos sociales.
Estudió en The Royal College of Arts en Londres, y en la Jan Van Eyck Academie (Maastricht); fue uno de los artistas fundadores del desaparecido colec­tivo Espacio La Culpable (2002- 2008), una propuesta de espacio de exhibición con sede en Lima. Su trabajo ha sido expuesto en el Guggenheim Museum (Nueva York), la Bienal de Sao Paulo, la Bienal de Shanghai, el Museo de Arte de Lima, el MACBA (Barcelona), el DAAD (Berlín), la Ikon Gallery (Birmingham), Frankfurter Kunstverein (Fráncfort) y Kunsthalle Basel (Basilea).

Nina Canell
La artista sueca explora las distintas relaciones de proxi­midad que surgen entre las formas materiales y sus propiedades inmateriales, a través del lenguaje escultórico. Sus esculturas funcionan como artefactos que propician y registran las reacciones sen­sibles de la materia, las posibles interacciones entre elementos y sus capacidades de transformación. El trabajo de Canell se acerca a experimentos propios de disciplinas como la física y la química, donde la artista utiliza elementos, de forma habitual, como el agua, el aire, la electricidad, el gas o el sonido, y materiales como cables, metales o acrílico, ya que le interesa investigar los procesos internos y externos que pueden experimentar, así como la vulnerabilidad e inestabilidad de las cosas, enten­didas estas como sistemas estables. Canell se interesa por sugerir lecturas alternativas de los fenómenos naturales que no son imperceptibles a la vista huma­na, aunque existentes en el entorno natural y que, por lo tanto, son capaces de producir reacciones físicas y sensibles como la intuición o la percepción.
Canell estudió en el Dún Laoghaire Institute of Art, Design and Technology en Dublín, Irlanda. Recientemente ha expuesto la Bienal de Lyon, en la Marian Goodman Gallery (Londres), en el Moderna Museet (Estocolmo), en el Camden Arts Centre (Londres), y la Galería Luisa Strina (Sao Paulo), entre otros espacios.

Tania Pérez Córdova
Propone una investigación que entiende a los objetos como eventos dentro de una temporalidad y una narrativa. Su producción artística se pregunta: ¿Cómo se hacen los objetos?, un cuestionamiento donde el “cómo” no se limita a dar una ex­plicación material de la constitución de un objeto, sino que la artista pone en la misma escala de valor la condición cotidiana, histórica o biográfica de los modos de producción que determinaron la forma de hacerlo. Su interés por abordar la temporalidad de los objetos y su aparición física tiene que ver con la vida social de la materia. Si las sociedades humanas siempre han trabajado con materiales, sean éstas una producción del hombre o no, siempre se definen por la intervención so­cial. La obra de Pérez Córdova indaga en estas posibles implicaciones sociales de los objetos. La escultura y los propios materiales que la artista utiliza representan un campo de desplazamiento alrededor del cual las relaciones, las identidades y los poderes están en constante transformación y se disuelven en el acto de hacer y rehacer.
Pérez Córdova realizó sus estudios de licenciatura en Studio Practice and Contemporary Studies en Goldsmiths College en Londres. Ha expuesto individualmente en espacios como Joségarcía, mx (Ciudad de México), Parallel Oaxaca (Ciudad de México), Meessen De Clercq (Bruselas), la feria ArteBA (Buenos Aires), la Bienal Mercosur (Sao Paulo), la Casa del Lago (Ciudad de México), y el Kunsthalle Basel (Basilea), entre otros.

Thomas Poulsen (FOS)
El trabajo de FOS entrelaza el arte y el diseño social para enriquecer relaciones hu­manas a partir de entornos específicos. El artista utiliza el término “diseño social” para definir su proceso artístico. Aquí, la arquitectura y el diseño se emplean en su capacidad para revelar las relaciones entre la física y lo social, y en donde sus instalaciones, videos, intervenciones en el espacio, performances, esculturas o mobiliario se con­vierten en proposiciones para generar nuevos comportamientos, conductas y patro­nes sociales. Por ello, FOS realiza una investigación en torno a la fisonomía y mate­rialidad tanto de los objetos como del espacio, asumiéndolos como agentes que interactúan con las personas, y donde sus “puestas en escena” tienen la capacidad de producir realidades que ilustran lo que sucede en el tejido social. Desde una perspectiva más amplia, su trabajo actúa como una arqueología estética que estudia y trabaja con la relación entre personas y la forma, y más recientemente, con el lenguaje como un factor que produce sentido dentro de un espacio. Con su obra, el artista danés busca producir mecanismos que funcionen como mediadores hacia un mundo que incorpore una visión de sostenibilidad y una consciencia colectiva.
FOS realizó sus estudios en el Royal Danish Academy of Fine Arts. A lo largo de su carrera su trabajo ha sido exhibido en distintos espacios mediante comisiones privadas que lo han llevado a formar parte del mundo del diseño. En 2010 recibió el premio Carl Nielsens y Anne Marie Carl-Nielsens, y en 2011 realizó Osloo para la Bienal de Venecia, un pabellón flotante con un bar. Recientemente ha expuesto en Performa (Nueva York), la Kunsthal Charlottenborg (Copenhague), la National Gallery Denmark (Copenhague) y el Gesellschaft Für Aktuelle Kunst (Bremen). Ha realizado trabajos de diseño para Céline y Etage Projects.