Picasso, Matisse, Kline y Herrera: Entre las piezas clave de las subastas de Phillips en noviembre

Red House, de Peter Doig, con un valor estimado de $18 a 20 millones USD, es la pieza que encabeza las subasta. También se incluirán obras de Damien Hirst, Cy Twombly y Henry Moore.

Ciudad de México, a 15 de noviembre de 2017.- La subastas de Phillips de Arte Contemporáneo y del Siglo XX se llevarán a cabo en Nueva York los próximos 15 y 16 de noviembre, y estarán compuestas de 250 piezas que abarcan casi un siglo. La venta nocturna del jueves 16 de noviembre ofrecerá 44 lotes, incluyendo trabajos de algunos de los artistas más codiciados de los siglos XX y XXI, de Henri Matisse a Pablo Picasso, de Peter Doig a Richard Prince.

La venta también incluirá dos lotes de los maestros latinoamericanos Carmen Herrera y Hélio Oiticica. Anterior a esta subasta, la venta del miércoles 15 de noviembre ofrecerá más de 200 piezas. Por primera vez, Phillips presentará esta subasta en un nuevo formato en dos sesiones. La sesión matutina se enfocará en el modernismo y arte de posguerra, incluyendo trabajos de Roy Lichtenstein, Josef Albers, Henry Moore, Yayoi Kusama y Robert Motherwell, mientras que la sesión vespertina tendrá obras de arte contemporáneo de artistas como Damien Hirst, Agnes Martin, Peter Doig y Oscar Murillo.

Jean-Paul Engelen, Codirector a nivel mundial del Departamento de Arte del Siglo XX y Contemporáneo, declaró que “ tras la subasta de Phillips en mayo, en la cual la pieza de Peter Doig, Rosedale, estableció un nuevo récord mundial en subastas por la venta de la obra de un artista británico vivo, nos complace ofrecer la obra de Doig, Red House, como la estrella de esta subasta. Creada entre 1995 y 1996, Red House es una verdadera obra maestra, pintada durante un punto decisivo en la carrera del artista, inmediatamente después de su nominación al Turner Prize. La pintura es el testimonio del importante lugar que Peter Doig ocupa dentro del canon del arte contemporáneo”.

Robert Manley, Codirector a nivel mundial del Departamento de Arte del Siglo XX y Contemporáneo, añadió: “Nuestras subastas de Nueva York en noviembre fueron cuidadosamente compuestas con el objetivo de derribar las barreras de las categorías tradicionales del coleccionismo. La subasta incluye una fantástica selección de piezas pertenecientes a maestros del modernismo, junto a sus contrapartes contemporáneas, así como importantes trabajos de arte latinoamericano y de fotografía. Estamos encantados de tener esta oportunidad de ofrecer una sólida selección de obras de arte que contemplan diversos géneros y corrientes artísticas, atractiva para coleccionistas exigentes de todos los gustos y lugares”.

Subasta nocturna
16 de noviembre de 2017, 5 p.m.

La pieza principal de esta venta es Red House, de Peter Doig. El cuadro fue pintando inmediatamente después de la sorpresa de estar nominado al Turner Prize en 1994, hecho que lo impulsó hasta ser reconocido internacionalmente en el mundo del arte. Creado entre 1995 y 1996, Red House captura un momento clave en el desarrollo artístico de Peter Doig, cuando los gruesos empastes de sus primeras pinturas en 1990 se fundieron para revelar delicadas neblinas de translúcidos colores. Continuando con los principios básicos de su práctica, concretamente, un deslizamiento entre la realidad, la imaginación y la memoria, Doig presenta de diversas formas su propia reinterpretación del cuadro de Edvard Munch, Red Virginia Creeper (1898-1900). Red House se presentó durante la crucial exhibición individual del artista en 1998, Peter Doig: Blizzard Seventy-Seven, la cual viajó de Kunsthalle de Kiel a Kunsthalle de Nuremberg, para finalmente llegar a Whitechapel Gallery.

Sawyer, de Franz Kline, también es una de las piezas más importantes de esta venta, proveniente de una importante colección privada en Estados Unidos. Pintado en 1959, en la cumbre de la carrera de Kline, el cuadro ejemplifica la icónica paleta de blancos y negros. Dominado por estos últimos dos colores, este trabajo se anima a través de pasajes empastados de crema, ocre, durazno, así como blancos y grises terrosos que imprimen en la composición un tono suave y atmosférico. En 1960, el mismo año en el que Kline representó a Estados Unidos en la 30va Bienal de Venecia, Sawyer debutó durante la exhibición individual del artista en Sidney Janis Gallery, en Nueva York, junto a otras piezas de Kline que ahora son consideradas obras maestras. Los trabajos en cuestión se mantienen como grandes ejemplos de la bravura de la obra más tardía de Kline, que terminó de manera trágica con su prematura muerte en 1962.

Es tal la relevancia de Sawyer en la obra de Kline, que fue celebrada durante la primera exposición y retrospectiva institucional póstuma del artista en Estados Unidos, en el Whitney Museum of American Art, en Nueva York, entre 1968 y 1969.

Creada durante la última década de vida de Cy Twombly, la obra Untitled (2004), rinde homenaje al Mar Mediterráneo de su casa adoptiva en Italia. Es uno de los 10 cuadros que componen la aclamada serie del artista, Untitled (Winter Pictures), que pintó durante el invierno entre 2003 y 2004 en su casa de Gaeta. Construida sobre las épicas series de Twombly, Quattro Stagioni (A Painting in Four Parts), entre 1993 y 1994, en la colección del Museum of Modern Art de Nueva York, la serie Untitled (Winter Pictures) muestra la preocupación de Twombly con el clásico leitmotiv de las estaciones naturales. Excelente ejemplo de la inimitable práctica pictórica de Twombly, Untitled se creó con capas de pintura acrílica que el artista aplicó al panel de madera con una combinación de pincel, paño y su propia mano. A la par que se acopla a este series de trabajos que incluyen líneas verticales con efectos de cascada, Untitled es una de las dos pinturas que se distinguen por los manchas circulares que rondan como riachuelos salpicantes, como nubes que gotean más allá de las esquinas del soporte pictórico.

Además de la sólida selección de piezas de arte contemporáneo, la venta del 16 de noviembre de Phillips también incluirá obras de arte del modernismo que pertenecen a distinguidas colecciones privadas. Cuatro trabajos en papel de Henri Matisse y Pablo Picasso de la colección de Anne Marie y Julian J. Aberbach están entre las piezas más importantes de la subasta. Por otro lado, la colección de Betty y Stanley Sheinbaum también ofrecerá obras de Robert Motherwell, Richard Diebenkorn y Henry Moore.

Después de establecer un récord mundial en subastas con la artista Carmen Herrera en noviembre de 2016, durante la venta de Arte del Siglo XX y Contemporáneo, Phillips se complace en incluir dos obras de arte latinoamericano en su próxima subasta: Untitled (Orange & Black), de Carmen Herrera, y P31 Parangolé, capa 24, Escrerbuto, de Hélio Oiticica. Los movimientos y obras de estos artistas están inextricablemente vinculados con sus pares trasnacionales, y una discusión sobre el arte del siglo XX y el contemporáneo estaría incompleta sin la tremenda contribución de los artistas latinoamericanos.

Pintada en 1956, Untitled (Orange/Black) está entre las primeras pinturas maduras de Carmen Herrera, creada tras su regreso de París a Nueva York. Un notable ejemplo del arreglo asimétrico e intuitivo de las formas, característico de su periodo en Nueva York, el trazado dicromático es prueba del proceso modular y casi matemático de combinar y rotar formas triangulares que Herrera comenzó a emplear en 1956 en trabajos como el que se presenta en la subasta.

Marginada por ser una inmigrante cubana en el contexto del expresionismo abstracto y del mundo del arte de Nueva York, dominado en aquel tiempo por los hombres, sólo recientemente, en parte por la retrospectiva que tuvo en el Whitney Museum of American Art, es que a Herrera se le ha conferido el lugar que merece como referente para el movimiento abstracto de la posguerra.

Creado en 1972, durante los años cruciales de Hélio Oiticica en Nueva York, P31 Parangolé, capa 24, Escrerbuto ejemplifica de manera brillante la práctica pionera, inmersiva y experimental del artista brasileño. La obra presente en la subasta es un ejemplo sobresaliente de los Parangolés de Oiticica, que creó entre 1964 y 1979 con el objetivo de hacer lo que él llamó “experiencias vividas” al permitirle al espectador utilizar o usar el envoltorio tipo capa. Es un testimonio de la relevancia histórica de su trabajo que fue celebrado en Hélio Oiticica: The Organize Delirium, la primera retrospectiva del artista en Estados Unidos en 20 años desde que viajó del Carnegie Museum of Art en Pittsburgh, al Instituto de Arte de Chicago y, más recientemente, al Whitney Museum of American Art en Nueva York, entre 2016 y 2017. Mientras que Oiticica ha sido apreciado desde hace mucho tiempo en Latinoamérica y Europa, esto ha sucedido, en gran parte, por esta retrospectiva que ha contribuido a que la fuerte influencia de Oiticica en prácticas performativas y de compromiso social finalmente tenga el debido reconocimiento en los Estados Unidos.

Subasta matutina
15 de noviembre de 2017, 11 a.m.

La sesión matutina de la venta se llevará a cabo el 15 de noviembre, en punto de las 11 a. m., con John McCord como director de la venta. Brushstroke y Ceramic Sculpture #16, dos piezas clave de Roy Lichtenstein se presentarán en la subasta. Creada en 1965, Brushstroke pertenece a la serie con el mismo nombre, la cual buscó reinterpretar directamente el expresionismo abstracto de artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning. Todos los trabajos en estas series incluyen una o dos pinceladas, acompañadas de los característicos puntos de Ben-Day. La pieza en cuestión es el primer trabajo de pincelada que llega al mercado en casi una década, y que ha permanecido en la misma distinguida colección privada por 30 años.

Ceramic Sculpture #16 fue creada en el mismo año que Brushstroke, cuando el artista comenzó a trabajar de forma regular con materiales de escultura, como cerámica y esmaltes, mientras recuperaba la familiaridad de los objetos de consumo que nos hacen recordar la cultura de la cena americana de los años 60. Con sus característicos puntos Ben-Day y bloques de colores, el artista derriba la forma tridimensional de una torre inclinada de copas y platos, y la lleva a su base gráfica de elementos. Mientras son confrontados con símbolos reconocibles de una cultura menor, los espectadores son enfrentados de manera simultánea con la carencia de funcionalidad de la escultura y, a su vez, con la caracterización de un objeto artístico de altura.

La sesión matutina también incluirá 17 trabajos de la colección Sheinbaum, incluyendo obras de Henry Moore, Mark Tobey y Robert Motherwell, entre otros más. Elegy to the Spanish Republic No. 50 fue creada en 1958 y adquirida un año más tarde por los Sheinbaums. Es completamente nueva en el mercado ya que se ha conservado en esta colección familiar por casi 60 años. Los Sheinbaums también son ávidos coleccionistas de Henry Moore y seis de sus esculturas de bronce se ofrecerán el 15 de noviembre. Betty Sheinbaum comenzó su gran colección con maquetas del modernista Henry Moore, del cual descubrió su trabajo durante un viaje a Inglaterra en su juventud. Cuando Betty adquirió las piezas en cuestión, entre 1959 y 1960, la reputación de Moore iba creciendo; sin embargo, para ese momento, todavía era un artista contemporáneo muy radical. Estas esculturas traen consigo importantes temas en la obra del artista, así como un número de influencias en su característica exploración de las formas de sus composiciones.

Los coleccionistas también tendrán la oportunidad de adquirir uno de los primeros trabajos de Lee Bontecou, renombrada artista por tener éxito durante un periodo en el que los hombres dominaban la escena minimalista. La pieza en cuestión pertenece al año en el que la artista regresó a Nueva York, 1959, después de viajar a Italia gracias a la beca Fulbright, y ser reconocida en la esfera del minimalismo de posguerra, donde se generó un cambio fundamental en su práctica escultórica. Habiendo descubierto el uso del soplete, Bontecou comenzó a crear ligeros marcos de metal soldados, los cuales rellenaba, de forma subsecuente, con malla de alambre, muselina y lona. Untitled es una de los ejemplos más característicos y renombrados del verdadero inicio de este momento de transición para Bontecou.

Subasta vespertina

15 de noviembre, 2p.m.

Obras de Damien Hirst, Agnes Martin, Julian Schnabel y Michelangelo Pistoletto se encuentran entre los más importantes de esta sesión, que tendrá a Rebekah Bowling como directora de la subasta. Adenylosuccinate Lyase, de Damien Hirst, un ejemplo estelar de sus icónicas pinturas de puntos, encabeza esta subasta. Esta pieza es una obra excepcional, parte de una de las series más celebradas de Hirst, una que cuestiona tres de las más esenciales cualidades de una pintura –color, forma y composición–, y las relaciona con los componentes fundamentales de la ciencia. Nombradas como un compuesto químico, las piezas confrontan al espectador en una masa de brillante energía, cada uno de los componentes permanece en un marcado contraste con la blanca y rectangular tela en la que descansan. Las formas repetitivas de Hirst en este lote, niegan la espontaneidad de la pintura expresionista en favor de la sensibilidad de artistas pop como Roy Lichtenstein y Andy Warhol, a través de gesto cuidadoso y metódico. Pero, a diferencia de estos artistas, que utilizaban el punto como medio para producir una imagen, Hirst produce en masa al punto en sí mismo, reduciendo la composición hasta la forma más básica de la pintura. Esta pieza ha permanecido en la misma colección privada a partir de un año después de su creación en 1993.

Tearful, de Damien Hirst, creada en 2010, también estará a la venta durante la sesión vespertina. Sus renombradas series Cabinets, que comenzaron en 1988, se han convertido en sinónimo del arte conceptual contemporáneo. Pocos años más tarde del éxito que obtuvieron los primeros trabajos de esta serie, tales como los gabinetes farmaceúticos, Hirst inició un nuevo conjunto de Cabinets. Este lote pertenece a las series más tardías, presentando un delicado exhibidor de piedras preciosas dentro de un gabinete de metal inoxidable chapado en oro. Acertadamente nombrado como una emoción humana, Tearful es un paradigma de la práctica fundamental del artista en su deslumbrante belleza.

Dos piezas sin nombre de Agnes Martin, circa 1995, también se ofrecerán. Vacíos de imagen, narrativa y significado en cualquier sentido convencional, estos trabajos creados durante el crepúsculo de la carrera de Agnes Martin, personifican maravillosamente la expresividad dentro de los significados del minimalismo, sello distintivo del corpus de Martin. Pintado después de mudarse a Taos, Nuevo México, la suave coloración, las casi traslúcidas bandas son la reminiscencia de la luz etérea del desierto en el que ella trabajaba. La vasta expansión del paisaje vacío, donde el horizonte y el cielo se fusionan de forma casi imperceptible, se convierte en la inspiración de su trabajo, con el uso que hace del color al explorar las propiedades físicas del espectro de luz, en lugar de los objetos de color como tales.


Subastas: miércoles y jueves, 15 y 16 de noviembre de 2017. Exhibición de la subasta: del 3 al 15 de noviembre de 2017. Lugar: Park Avenue 450, Nueva York.